Klischees bezeichnen im Zusammenhang mit Bildern solche Bilder, die es x-fach in gleicher oder zum Verwechseln ähnlicher Ausführung gibt und die eine überkommen Vorstellung repräsentieren. Überkommen ist eine solche Vorstellung, weil diese Bilder einerseits schnell erkannt und zugeordnet werden können, andererseits aber über das „Wesen“ dessen, für das sie stehen nichts aussagen. In London sind es die Tower-Bridge und das Parlament, in Paris der Eifelturm und seit einigen Jahren die Pyramide vor dem Louvre, in New York Freiheitsstatue und Skyline, in Frankfurt am Main Römer und Skyline. In Bremen sind es die Stadtmusikanten (auf deren Abbildung ich hier erst einmal verzichte!), das Rathaus und der Roland.

Bremen: Böttcherstraße (Detail)

Selbst in Zeiten digitaler Reproduzierbarkeit von Bildern werden diese Bilder von Touristen nahezu zwangsläufig angefertigt, als wolle man sich auf diesem Wege endlich das zu eigen machen, was man eh schon kennt und sagen: Schaut her, jetzt war auch ich da und auch ich erzähle euch nichts Neues. Solche Bilder sind die Reproduktion der Reproduktion der Reproduktion – und eigentlich kaum noch Fotografien zu nennen, da sie keinen eigenen Blick des Fotografierenden repräsentieren, sondern wie bei Wiederkäuern einfach hochgewürgt und in die Kamera gebannt werden, während sich vielleicht um die Ecke ein Motiv befinden könnte, das wirklich den eigenen Blick auf eine Stadt zeigt.

Bremen: Rathaus

Bremen: Rathaus (Detail)

Doch das Problem liegt nicht nur bei den Fotografierenden, sondern auch bei den Motiven. Es scheint am Abgebildeten nichts mehr zu sehen zu geben, das überraschen könnte. Von diesen Bildern wurden so oft Fotos „geschossen“, dass sie irgendwann dann eben „erschossen“ waren und heute zwar als Kulturdenkmale großen Wert besitzen, der Bremer Roland und das Rathaus werden z. B. sogar als Weltkulturerbe bei der UNESCO geführt, als Motive für Fotografien aber in der Regel leblos geworden sind.

Bremer Roland

Bremer Roland (Detail)

Neben den hundertausendfach anaolog und digital abgelichteten touristischen Motiven, spielt das Klischee aber auch dort eine Rolle, wo (Hobby)-Fotografen technisch gute Bilder von allzu vertrauten Motiven machen, ohne zu einer eigenen Bildsprache zu finden. – Um nicht missverstanden zu werden: An dieser Stelle beschreibe ich dieses Phänomen nur, ohne es zu werten, denn ich weiß selbst, dass das Finden einer eigenen Bildsprache ein langer Prozess ist, der gerade für Hobby-Fotografen eine echte Herausforderung ist, also auch für mich.

Dass es heute so viele Menschen gibt, die sich beim Dialog mit der Wirklichkeit im Rahmen der Fotografie richtig viel Mühe geben, finde ich toll. Und ich finde es auch schön, dass es so viele (technisch) gelungene Bilder zum Anschauen im Netz gibt. Der Unterschied zu Fotografierenden mit künstlerischem oder journalistischem Anspruch ist dann in vielen Fällen auch gar nicht mehr die technische Seite der Bilder, sondern die Frage der individuellen Bildsprache, die ein Fotografierender entwickelt (oder auch nicht).

In diesem Zusammenhang stimmt der mittlerweile auch schon ein Klischee darstellende Ausspruch, dass der Fotograf und nicht die Kamera die Bilder mache. Natürlich können die treffendsten Motive durch ein schlechtes Objektiv zu miserablen Fotos werden, aber manchmal entsteht bei mir, vor allem im Rahmen digitaler Fotografie, der Eindruck, dass die benutzten Kameras wie ein Fetisch genannt werden, der alleine durch seinen Besitz fast schon so etwas wie die Garantie für gute Bilder in sich trägt.

Nein, ein Fotografierender braucht nicht immer die „neuste“ Kamera, um gute Bilder machen zu können, sondern eine Kamera, die es ihm ermöglicht, sich ganz auf das Motiv (und nicht etwa auf die Eigenarten der Software) konzentrieren zu können. Die Kamera ist ein Werkzeug und nicht der Gegenstand der Fotografie. Im Zentrum der Fotografie steht das Motiv und dessen Gestaltung; diese Gestaltung muss letztlich die technische Seite der Entstehung eines Fotos vergessen lassen, um mich als Betrachter in seien Bann ziehen zu können.

Es ist letztlich die Art des Sehens, die einen Fotografierenden ausmacht. Fotografierende sehen genau hin, gestalten sehend ihre Motive und die die Motive zeigenden Bilder. Fotografie lebt von dem eigenen Blick, der sich im Laufe der Zeit entwickelt und wesentlich zur Bildsprache eines Fotografierenden beiträgt. Dabei muss sich der Fotografierende Klischees stellen, um nicht in ihre Falle zu gehen; er muss sie erkennen, um um die Gestaltung eines Bild-Klischees herum zu kommen, so er nicht gezielt ein solches produzieren will.

Die in diesem Beitrag gezeigten Bilder, die ich selbst angefertigt habe, sind für mich eine Art der Auseinandersetzung mit genau diesem Problem. Es sind (gezielt gemachte) Klischeebilder, für mich aber auch Bilder, die so vertraut sind (vom Bild, das ein Detail der Böttcherstraße zeigt vielleicht einmal abgesehen), dass sie für mich in einer enormen Spannung dazu stehen, wie ich eine Stadt wie Bremen wahrnehme. Das Rathaus und der Roland sind nicht das Bremen, das ich hier und heute wahrnehme, sondern Verweise auf längst vergangene Zeiten, die hier ihre Spuren hinterlassen haben.

Um Klischee-Bilder zu umgehen, muss ich mich als Fotografierender der Frage stellen, wie ich etwas (einen Ort, eine Situation, einen Menschen) wahrnehme, um von dieser Frage zu der Frage zu gelangen, wie ich das Wahrgenommene für mich möglichst authentisch in einer Fotografie zu fassen bekomme.Ähnliche Beiträge:

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Wird etwas fotografiert, weil es geschieht – oder geschieht etwas, weil es fotografiert wird?

Ich war gerade auf der Fotoseite des Boston Globe. Dort gibt es eine Fotoserie zu den Protesten im Rahmen des G20-Gipfels in London am 1. und 2. April 2009. (Protests at the G20 summit – The Big Picture – Boston.com)

Zwei der dort gezeigten Bilder, die Andrew Winning für Reuters gemacht hat (Bild 11 und 12), haben mich irritiert: Mein erster Gedanke war, dass es sich um gestellte Bilder handeln müsse, da es doch unwahrscheinlich ist, dass so viele Fotografen zur gleichen Zeit an Orten sind, an denen eine sehr kurze, scheinbar sehr spontane Handlung geschieht, wie vor allem auf Bild 11 dieser Serie. Was ist dort zu sehen:

Ein Demonstrant wirft einen Computerbildschirm in eine Fensterscheibe, die allerdings schon zuvor zerstört worden war. Das Foto zeigt den Moment, in dem der Bildschirm die Hand des Demonstranten verlassen hat und nun gerade durch die Luft auf die bereits eingeworfene Fensterscheibe zufliegt. – Das ist doch wirklich eine Aktion, die sehr spontan wirkt und alles in allem vielleicht nicht mehr als zehn Sekunden dauert. Doch das kann so nicht gewesen sein, betrachte ich den Rest der Fotografie. Der Demonstrant ist von einem Fotografenpulk „umstellt“, alle haben ihre Fotoapparate auf die Szene gerichtet. Dabei wirken die Fotografen zwar drängelnd und recht schnell positioniert, aber angesichts der Ereignisfülle eines solchen Protesttages ist es schon erstaunlich, dass es sich hier um ein aus der Situation heraus entstandenes Bild handeln soll.

In der Bildunterschrift wird dann gesagt, das Bild zeige einen Demonstranten im Rahmen der Proteste gegen den G20-Wirtschaftsgipfel. Diese Unterschrift wird dem Motiv nicht gerecht, da es sich um eine Aufnahme handelt, die einen von Fotografen umringten Demonstranten zeigt. Die Fotografen werden im Untertitel einfach ausgeblendet. – Gleiches auf Bild 12, auf dem Demonstranten gerade die Royal Bank of Scotland durch zerstörte Fenster verlassen. Aber auch hier sieht der Betrachter wieder mehr Fotoapparate als Demonstranten!

In meinen Augen sind die Themen dieser zwei Bilder die Entstehung von Bildern und die damit verbundenen Probleme. Die Demonstranten wissen sehr genau, dass es solche Bilder sind, die Fotografen wollen. Und die Fotografen lassen sich genau auf diese Motive ein. Die hier genannten Bilder sind keine Schnappschüsse mehr, die im Rahmen eines solchen Protestes entstehen, sondern kalkulierte Motive. Das gilt für viele der auf der Fotoseite des Boston Globe zu den G-20-Protesten veröffentlichten Bilder nicht (!), zumindest nicht in dem Maße erkennbar, wie bei diesen zwei Fotografien von Andrew Winning, die mich nachdenklich gemacht haben.

Es scheint in diesen zwei Bildern eine Symbiose zwischen Demonstrierenden und die Proteste fotografisch Dokumentierenden sichtbar zu werden. Beide Seiten sind auf diesen Bildern voneinander abhängig. Das wirft dann aber die Frage auf, inwiefern diese Bilder eigentlich noch als Reportage über die Proteste zum G-20-Gipfel betrachtet werden können. Keine Frage, sie dokumentieren einen wichtigen Zusammenhang von Ereignissen und Berichterstattung über solche Ereignisse. Solche Bilder rufen aber direkt nach einer Reflexion dessen, was auf ihnen als Motiv ins Zentrum rückt.

Mich erinnern diese Bilder einmal mehr daran, dass der Fotograf, so wenig von ihm auf den meisten Bildern zu sehen ist, indirekt immer mit im Bild ist. Er muss sich einen Standpunkt für seinen Aufnahmen suchen, eine Perspektive wählen und entscheidet so wesentlich über die Aussagekraft eines Fotos mit. Egal wie sehr ein Fotograf auch darauf aus sein mag, alleine das Motiv sprechen zu lassen und seine Gstaltung ganz in den „Dienst“ eines Motives zu stellen: Das Abgebildete kommt nicht aus der Abhängigkeit dessen heraus, der es abbildet. Wer sich ein Bild macht, macht das Abgebildete „von sich abhängig“. Das ist übrigens der Grund, warum es in vielen Religionen ein Bildverbot gegenüber dem als unverfügbar und nicht vereinnahmbar angesehenem Heiligen gibt, das aber nur am Rande.Ähnliche Beiträge:

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